Patterns in the Ivy

Stage d'eau-forte

Vue d'ensemble à la fin du stage, détails ci-dessous.

Après quelques séances d'initiation à la taille-douce cette année, j'ai voulu m'y consacrer plus sérieusement et régulièrement. Mais je suis resté assez frustré ne pas pouvoir pratiquer ça facilement chez moi. C'est ce qui m'a poussé à m'inscrire à un stage pendant l'été.

J'aime plutôt les vacances solitaires et au grand air, mais j'étais retourné me perdre dans les Highlands écossais en mai donc je n'étais pas en manque de ce côté là. Je cherchais quelque chose qui me coupe de mes habitudes, me fasse passer du temps avec des personnes différentes de mon cercle quotidien et surtout qui me permette de me concentrer sur la gravure de manière intensive pendant un temps suffisamment long. Je suis tombé assez vite sur le site des stages d'eau-forte de Gaëlle Abolivier et mon choix a été vite arrêté tant tout semblait parfait.

J'ai été plus que comblé ! Une petite semaine dans un village superbe de l'Aveyron, à partager un atelier avec seulement quatre autres stagiaires, logés dans un ancien couvent dans la rue d'à côté. Gaëlle est adorable et cherchait avant tout à élargir notre approche du medium, au-delà de ce qu'on pensait connaître. J'ai appris énormément de choses ! Le temps est passé exactement comme il fallait, bien rempli, studieux et paisible, les journées rythmées par les pauses café, les apéros et les repas à l'ombre des arcades. Les journées se terminaient normalement vers 17h30, mais je suis retourné tous les soirs à l'atelier après dîner pour faire quelques tirages nocturnes en profitant de la fraîcheur.

En cinq jours, quatre effectifs si on enlève le dernier consacré exclusivement à l'impression, j'ai eu le temps de faire cinq plaques et plusieurs dizaines de tirages. L'excitation est un peu retombée depuis trois semaines, mais je reste très heureux de ce que j'ai obtenu. Petite visite !

Eau-forte au trait, 10 × 15 cm.

C'est un dessin au style un peu atypique pour moi, que j'avais l'idée de reproduire en venant au stage. Il est peu intéressant au sens où il n'exploite quasi rien des possibilités réelles des techniques d'eau-forte, par exemple les effets de traits et de texture qu'on peut obtenir en variant les façons de travailler le vernis et les temps de bain dans l'acide. Mais je l'aime bien, et il fallait que je le grave avant de passer à autre chose.

Eau-forte au trait et à l'aquatinte, 18 × 24 cm.

Pour cette seconde gravure, j'ai fait appliqué le même procédé que pour mon Faucon pélerin : une première étape au trait, puis une aquatinte à trois morsures pour obtenir divers niveaux de gris. C'est une technique qui se complique vite, je me rappelle m'être bien emmêlé les pinceaux la première fois avec cette façon de penser "à l'envers" qu'il faut bien planifier à l'avance. J'y suis allé doucement cette fois-ci et j'ai obtenu quelque chose de proche de ce que je voulais. Et par rapport au faucon où j'avais utilisé seulement un pinceau et du vernis, j'ai varié les moyens de recouvrir des zones entre chaque morsure. Par exemple des pastels gras (pour obtenir des limites de zone plus irrégurlières) ou du feutre fin (qui m'a permis de préserver les oiseaux blancs sur des fonds gris).

Détail de la plaque.

Désolé si tout ça n'est pas clair… Après maintes explications orales laborieuses et non concluantes, j'ai plus ou moins abandonné l'idée d'expliquer le procédé de l'aquatinte :P Mais je garde dans un coin de ma tête le projet d'en faire une vidéo explicative si un jour j'ai accès assez longtemps à tout le matériel.

Jupiter. Aquatinte, 30 × 30 cm.

Après l'aquatinte des falaises, je me suis un peu enflammé :) J'ai eu l'idée de rendre avec cette technique (et sans trait préalable, pour éviter un côté "ligne claire") les bandes et les volutes de Jupiter. J'ai pris une grande plaque, tracé un cercle et travaillé les teintes en multiples couches, avec du crayon litho ou des pastels gras pour essayer de garder un côté irrégulier. Je me suis assez vite perdu dans le compte des couches et la durée des morsures à l'acide, mais ça allait globalement dans la bonne direction. Malheureusement, je n'ai pas laissé les derniers gris tremper assez longtemps et j'ai recouvert trop tôt la Grande Tache rouge, qui se retrouve beaucoup trop claire à l'impression. Même si depuis je trouve quand même le résultat assez chouette, j'étais bien déçu au tirage. En plus, vue la taille de la plaque et toutes ses textures, elle est terriblement longue à encrer. Au final je ne l'ai imprimée que deux fois. Mais je reste persuadé que ce sujet avec cette technique a du potentiel, et je suis très impatient de retenter une plaque semblable sans refaire les mêmes erreurs.

Milan. Aquatinte, 24 × 18 cm.

Après la folie des grandeurs de Jupiter, je suis revenu à quelque chose de plus simple pour la suivante. Un rapace, pour rappeler mes tous premiers essais. C'est encore une aquatinte, mais seulement à deux gris très contrastés. Et il y a bien un premier passage au trait, avec un outil assez grossier pour obtenir des effets dans les plumes qu'on ne voit malheureusement pas trop au scan. Bon, la plaque a plein d'imperfections et ce milan a des ailes ridiculement grandes, mais je suis content de son allure général et de son expression.

Saturne. "Fausse" manière noire, 15 × 10 cm.

La dernière plaque était une expérimentation très rapide qui s'est transformée en résultat que j'adore. Le stage étant consacré à l'eau-forte, c'est-à-dire toutes les techniques où on "mord" chimiquement une plaque de métal grâce à un bain corrosif, les techniques dites de taille directe n'étaient pas abordées. Parmi elles, la manière noire, que je n'avais jamais pratiquée mais qui m'attirait beaucoup. En théorie, elle repose sur une première étape interminable qui s'effectue à la main et consiste à donner à une plaque lisse une texture archi-fine uniformément granuleuse qui s'imprime en noir. La gravure en elle-même consiste à partir de ce noir pour retrouver des teintes plus claires, en lissant plus ou moins le grain à l'aide d'un outil appelé brunissoir. C'est la seule technique qui permet des dégradés réels.

Détail de la plaque.

Je pensais devoir attendre une autre occasion pour tester cette technique, mais notre prof a évoqué pendant le stage les "fausses manières noires", où le grainage manuel peut-être remplacé par une aquatinte uniforme très foncée. Astussse :) Ça a été une révélation pour moi et à partir de ce moment j'ai été impatient de tester. Encore frustré par ma Jupiter, j'ai travaillé une petite plaque l'avant-dernier soir pour y graver Saturne, un peu à l'instinct. Je n'espérais franchement pas quelque chose d'aussi chouette ! C'est finalement celle que j'ai le plus tirée et celle que les autres personnes ont le plus choisi le dernier jour quand nous nous sommes tous échangé un tirage…

 

Je suis reparti de ce stage avec plein de nouvelles idées de dessins à graver et plein de nouvelles manières techniques de les aborder. Je suis très impatient de m'y remettre… et ça tombe bien, car à partir de septembre je vais continuer à pratiquer la taille-douce trois heures par semaine dans le cadre de Paris-Ateliers ! À suivre, donc !

Dionée pointillée

Dionée

J'ai une longue histoire personnelle avec les plantes carnivores, mais étrangement j'en ai rarement dessiné. Ou plutôt, j'ai souvent essayé à la va-vite, mais leurs formes complexes et leurs courbes raffinées demandent bien plus d'attention que ça.

Il a fallu que ma plus jeune sœur me demande "un petit dessin de dionée" pour ses 20 ans pour que je m'y mette sérieusement… Je me suis aussi souvenu qu'elle avait des projets de tatouage. Je ne savais pas au début si c'était le but de ce dessin (après vérification, si :) Mais il faudra sans doute le simplifier un peu), dans tous les cas ça m'a fait partir sur ce style des pointillés que j'avais déjà essayé quelques fois.

Dionée

C'était chouette à faire et je suis bien content du résultat. Et puis, malgré le grand écart d'âge et un vécu forcément différent, c'est bon de savoir que ma sœur aussi ressent une connexion particulière avec ce sujet.

Joyeux anniversaire A. !

Carte de vœux 2018

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Martin-pêcheur d'Europe. Linogravure à 4 plaques. 10 x 15 cm.

2018-01-15_kingfisher_doodle.jpgPour l'édition 2018 de la carte de vœux linogravée (les années précédentes : 2015, 2016, 2017), je n'ai pas choisi de motif particulièrement hivernal. J'ai repris un minuscule dessin que j'avais fait pendant une réunion pourvue de quelques feutres de couleurs (on s'amuse bien quand on fait du développement agile). Comme il y avait des feutres bleu et orange et que je suis toujours plus ou moins dans ma période "oiseaux", ça a donné ce petit martin-pêcheur, un oiseau que je n'ai jamais eu la chance de voir en vrai.

Je l'ai redessiné en plus grand format et au trait, en retravaillant notamment ce fond ondulé dans une veine japonisante/Art nouveau. Et puis j'ai appliqué mes recettes habituelles de préparation de gravure multicolore : scan, coloriage par aplats à l'ordinateur, impression, puis report des contours de chaque couleur sur lino au papier carbone.

Sans oublier d'ajouter des repères pour assurer une bonne superposition des couches à l'impression. J'ai mis à profit les tâtonnements des fois précédentes et laissé tombé l'impression à la presse qui pour ce genre de gravure introduit plus de problèmes qu'elle n'en résout, et cette année ça s'est très bien passé. Alors que j'avais souvent un grand taux de rebut à cause de décalages trop importants, cette fois-ci tous les tirages sont parfaitement calés ! Chacun reste légèrement différent, avec des imperfections sur une ou deux couleurs, mais globalement je crois que c'est la meilleure série multi-couche que j'obtiens depuis que je grave (à l'exception peut-être de la Ivy aux capucines, mais c'était de la gomme, pas du lino, et il n'y avait que deux couches).

Bref, je suis très satisfait de l'édition 2018. Ça s'est si bien passé et je tenais tellement le rythme des impressions, que j'en ai fait encore plus que d'habitude. Autant de personnes en plus à qui les envoyer. Et si je me décide enfin un jour à vendre certaines gravures, je pense que je commence à être rôdé !

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Une vraie production industrielle !

Je souhaite à chacun·e une excellente année 2018 !

Débuts en taille-douce

Faucon pélerin, eau-forte et aquatinte.

Ça fait déjà un bon moment maintenant que je pratique la linogravure. Je continue régulièrement parce que c'est facile et que je suis à l'aise avec cette technique, mais ça m'a aussi donné envie d'explorer d'autres procédés de gravure. J'ai eu l'occasion d'essayer le bois (il faudrait que je reprenne, notamment sur bois de bout avec les techniques japonaises), mais c'était surtout la taille-douce qui m'attirait. En gros, toutes les techniques de gravure sur metal, en creux, contrairement à la lino et au bois.

Comme d'habitude, j'ai essayé en auto-didacte. Après tout, ça s'était bien passé pour la lino. J'ai acheté une petite plaque de cuivre et une pointe sèche, j'ai gratouillé un dessin, la reproduction de l'un de ceux que j'avais fait pour Inktober 2016, et je l'ai imprimé avec une petite presse personnelle, en essayant d'appliquer tout ce que j'avais lu et vu sur le sujet. Voilà ce que ça a donné.

Mon tout premier essai, pour la postérité.

Pour une toute première fois, j'étais content du résultat, je m'attendais à franchement pire. Mais j'ai vite déchanté. Au lieu de s'améliorer, les tirages suivants ne cessaient de se dégrader. La presse patinait, ça restait sale, j'avais toujours trop ou trop peu d'encre sur la plaque à la fin, et la gravure s'émoussait très vite. Finalement, je l'ai rayée en essayant de la regraver plus profond ensuite. Fin du premier essai. J'en ai refait un autre peu de temps après, un dessin plus élaboré qui donne une très jolie plaque de cuivre, mais je n'ai jamais réussi à en tirer une seule impression correcte malgré mes soins.

La conclusion était claire et peu surprenante : la taille-douce s'apprend difficilement tout seul. Les gestes et les savoirs qu'elle requiert sont autrement plus nombreux et subtils que la lino, où il est assez intuitif de comprendre ce qui cloche. Bref, il était temps d'apprendre au contact d'une personne qui sait.

Après une tentative manquée de m'inscrire à un atelier hebdomadaire aux ateliers Beaux-arts de la ville de Paris, j'ai finalement fait deux journées de stage au charmant petit atelier Sobre Papel à Vincennes, avec une graveuse professionnelle. Le but était de découvrir en deux séances les bases de la pointe sèche (ce que j'avais essayé dans mon coin donc), mais aussi de l'eau-forte et de l'aquatinte. Des techniques de gravure indirectes à l'acide qui m'avaient toujours fasciné, et que j'étais heureux de tester dans un atelier et pas dans ma salle de bains :)

Ces stages étaient intenses et absolument géniaux. Comme je le pressentais, la quantité de choses à apprendre et de détails qui comptent pour un beau résultat est assez folle. Profondeur et densité de la gravure, polissage de la plaque, texture et humidité du papier, viscosité de l'encre, encrage uniforme, propreté des blancs, réglage de la presse, etc. Plus des histoires de vernis, de timing et de manipulation pour les techniques à base d'acide. C'était un énorme plaisir de découvrir tout ça en si peu de temps. De mieux comprendre des gestes que j'avais déjà vus et surtout d'avoir de nouveaux feelings au bout des doigts (en plus des taches d'encre :)).

Plaque encrée et nettoyée, juste avant le passage sous presse.

Pendant la première séance, nous avons réalisé en parallèle une pointe-sèche et une eau-forte au trait (gravure sur vernis puis morsure à l'acide des traits où le vernis a disparu). J'avais toujours trouvé ces techniques assez incroyables de précision, et c'est complètement fou de le constater sur l'un de ses propres dessins.

Faucon pélerin, eau-forte. (Normalement c'est pas flou sur les bords mais mon scanner a apparemment eu du mal avec la belle dépression dans le papier due à la pression de la plaque)

La seconde séance a consisté à reprendre la plaque d'eau-forte de la première et à lui appliquer trois passes d'aquatinte. On crée un grainage ultra-fin sur la plaque à base de résine en poudre, puis on travaille des zones grises du clair vers le foncé, en plusieurs couches de vernis et bains d'acide… Misère que c'est difficile à expliquer !

La plaque après le traitement à l'aquatinte. On voit bien divers textures qui ressortiront comme autant de niveaux de gris.

Le résultat final est celui en début d'article. J'ai adoré le voir sortir de la presse, mais je ne peux pas m'empêcher de voir tous ses problèmes. J'ai été quelque peu pris au dépourvu par la complexité du processus de l'aquatinte : planifier les niveaux de gris à l'avance et penser leur exécution "à l'envers". Dans la confusion des couches de vernis qui masquaient de plus en plus le trait originel, j'ai perdu les feuillages et j'ai fait n'importe quoi sur la branche. Mais je ne perds pas de vue que c'était un tout premier essai, en temps assez limité, pour découvrir la technique. Maintenant que je vois comment tout ça fonctionne, je n'ai plus qu'à me lancer dans de nouvelles gravures, chez moi ou à l'atelier. Vivement la prochaine !

En bonus, le dessin au stylo que j'avais fait comme modèle pour le stage.

Rattrapage des derniers mois

Petite compil de quelques dessins des derniers mois, que j'ai eu la flemme de poster ici au fur et à mesure.

Sinon, j'ai aussi commencé des stages de gravure en taille-douce (en creux, sur plaque de métal, par opposition à ce que j'ai fait pour l'instant en lino), mais j'en parlerai une autre fois.

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J'ai continué à peindre mon mobilier. Dans la foulée de mon premier test d'acrylique, j'ai peint cette Ivy sur un vieux tabouret en métal tout destroy ramassé dans la rue il y a quelques années.
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Un milan royal, un faucon pélerin et une buse variable, dessinés un peu à l'arrache sous la tente pendant mes dernières vacances. Ils illustrent un texte à propos de ces rapaces sur mon autre blog.
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Encore un faucon pélerin, fait le soir du 1er octobre quand je pensais pourquoi pas refaire Inktober cette année. Finalement, cela aura été ma seule contribution :) J'hésite à en faire un pochoir, ça passerait sans doute très bien.
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Pour finir, un petit dessin rapide et prétexte à juste imaginer une Aislinn, une Deirdre et une Siobhan, trois prénoms irlandais que j'adore. Laquelle est qui est très clair pour moi sur cette image, mais j'imagine que ça dépend des références de chacun⋅e.

Dégradé d'hortensias

D'habitude, quand je passe un séjour en Bretagne, j'ai toujours du beau temps. Cette fois-ci c'était pluvieux et gris toute la semaine. Pourtant, la région entière resplendissait de la floraison de ses haies et plates-bandes, les hortensias en particulier imposant leur volume et la variété folle de leurs teintes. Il semblait que toutes les nuances de bleu et de rouge existaient, des plus légères aux plus profondes, ce que j'ai tenté de vérifier en prenant quelques photos.

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Dégradé d'hortensias

J'ai pensé à un moment automatiser ça. J'aurais extrait la couleur dominante de chaque image, construit la grille des dégradés par interpolation à partir de ses valeurs extrêmes, puis essayé d'attribuer pour chaque case l'image correspondant le mieux… Mais penser ces étapes était plus fun que de les coder vraiment, alors j'ai fait ce dégradé à la main. Et "à l'œil" donc :)

Test d'acrylique sur bois

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Ma toute première peinture à l'acrylique ! Sur le support le plus noble qui soit : le couvercle de mon panier à un linge sale. Si si, la preuve :

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Vous avez échappé à la mise en scène à base de chaussettes sales.

C'est toujours chouette de faire de la déco, mais surtout ça fait quelque temps que j'ai envie de me mettre vraiment à la peinture, pour des choses plus colorées sur des plus grands formats, notamment du bois. Alors il faut que je fasse des tests. Ce couvercle que j'avais bricolé avec du contreplaqué de récup faisait bien l'affaire. J'ai ainsi pu tâter un peu de l'acrylique, du medium, du gesso transparent, du vernis satiné, et de toutes leurs propriétés capricieuses.

Pour le dessin lui-même, pas grand chose à dire, c'est plutôt un non-sujet. Mais d'habitude je fais plutôt du trait et de l'ornemental, rien que d'avoir un fond à remplir changeait plein de choses (et j'aurais dû le travailler plus). J'aime bien les couleurs, même s'il faudra que j'apprenne à rendre tout ça moins flashy pour d'autres sujets. Sinon je suis pas trop content de la compo pour plein de raisons : ces trois fleurs de cyclamens trop alignées, cette fougère qui tombe bêtement en plein milieu, cette tige de digitale qui coïncide avec un sommet du polygone… C'est le genre de trucs qui arrive presque toujours en improvisant. Mais bon, il n'y a rien de grave, ça reste un panier de linge sale :)

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Modèles vivants - 2

Deuxième série de dessins issus des séances de nu, après quelques semaines de plus.

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Toujours plein de très chouettes poses, à chaque fois par des modèles différents. Dont pour la première fois un homme. J'essaye des trucs, pas toujours très concluants mais c'est le jeu. Je ne sais pas trop quoi penser par exemple de ces essais d'aquarelle. Globalement, je me surprends à préférer souvent les poses les plus courtes (5 minutes), voire même à les trouver un peu trop longues. Je tâche aussi de dessiner en plus grand format. Cela explique ces images de qualité douteuse, car les feuilles ne rentrent plus dans mon scanner, et ça ne vaut pas le coup de passer des heures à les retoucher. Ce sont donc de mauvaises photos dans une mauvaise lumière.

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Modèles vivants

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Même si j'avais souvent évoqué l'idée, je n'avais jamais tenté de véritable atelier de dessin d'après modèle vivant. Il y a bien eu les Dr. Sketchy que j'ai pratiqués pendant quelques années, mais c'est une expérience assez éloignée. Et j'ai arrêté depuis longtemps, lassé par plein de choses mais surtout par l'irrégularité et l'impression de stagner.

Depuis un mois, ce manque est réparé. Je passe maintenant mes mercredis soir dans un vieil atelier bien académique à dessiner des modèles nus. Ce sont des séances libres, sans prof, avec toujours les mêmes cadences de poses d'une semaine sur l'autre. C'est calme, difficile mais pas stressant, presque méditatif, et ça semble porter des fruits rapidement. Je me maudis de ne pas avoir tenté l'expérience plus tôt. Même si je ne me lâche pas encore beaucoup sur les techniques et les approches, je tente quand même des choses, je me confronte à de vieux blocages, et je suis souvent content de ce que j'obtiens. Je suis surtout curieux de voir quel effet cette pratique aura sur mes dessins en général.

Quelques extraits de mes quatre premières séances :

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Première séance
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Deuxième séance
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Troisième séance
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Quatrième séance

To be continued…

Carte de vœux 2017

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Il y a des tirages plus réussis, mais je les ai envoyés avant de penser à les scanner…

Pour ma carte de vœux en lino édition 2017, je voulais quelque chose de plus minimaliste que l'année dernière dans le rendu, tout en évoquant l'hiver de la manière la plus simple. Je me suis souvenu d'un vieux séjour à la montagne, où j'avais adoré découvrir le matin plein de traces de pas d'animaux dans la neige de la nuit. J'en ai tiré un dessin de renard, que j'ai converti en gravure à 4 plaques.

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Le dessin d'origine. On en est assez loin.

Si c'est toujours un grand plaisir d'envoyer ces gravures faites à la main, je ne suis pas très content de celle-ci. D'ailleurs, je n'ai pas réussi à en imprimer autant que les précédentes. J'ai peu dessiné en 2016, presque pas gravé, et vécu une fin d'année triste et éprouvante, je crois que cela se ressent dans cette carte. Plus qu'à faire en sorte que 2017 soit plus fructueuse.

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